Consejos para lograr una buena mezcla

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Algunas recomendaciones que debes tomar en cuenta a la hora de mezclar.
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Siempre es emocionante comenzar una nueva mezcla. Para mi, es el proceso más creativo de la parte técnica de la producción musical. Es la culminación de horas de trabajo creativo y de largas sesiones de grabación que darán como resultado una nueva pieza de arte, una obra musical, una canción.

Ahora… ¿Cómo obtener una buena mezcla?. Pueden haber tantas respuestas para esta pregunta como ingenieros o productores. Basta con escuchar lo que está alrededor para darse cuenta la variedad de sonidos que se pueden lograr dentro de un mismo género musical: diferentes efectos, ecualizaciones y niveles, por ejemplo. Todas son buenas, la única diferencia es que son distintas grabaciones con distintas mezclas.

Así como en la cocina existen muchas formas de hacer un buen pastel, de igual manera es muy difícil definir un único método de mezcla, ya que depende, en gran parte, de quién va a mezclar.

Sin embargo, hay aspectos que sí se deben tomar en consideración, como por ejemplo: Las necesidades y sonidos característicos del género musical, los gustos de la audiencia de ese género y el espacio o ambiente en el que será oida tu mezcla. Todo estos entran dentro de las consideraciones generales.

A continuación te dejo algunas recomendaciones que me han servido y también te pueden servir para mejorar tu nivel y calidad de mezcla.

Escucha, escucha y escucha… sin prejuicios

Si quieres mejorar tus mezclas, necesitas saber y aprender cómo lo hacen otros productores o ingenieros más experimentados. Un método para esto es oír sus trabajos.

Oye todo lo que puedas, si es posible de todos los géneros y en diferentes espacios y equipos para ver cómo se comportan las mezclas en cada uno.

Otra fuente son las bandas sonoras de audiovisuales (cine, TV, etc). Escucha la música incidental, oye los efectos de sonido y cómo están mezclados.

Escucha en todas las fuentes posibles, Spotify, Apple Music, Youtube, Deezer u otra, escucha las diferencias, si las hay. Te debes volver una máquina de análisis de todo lo que escuches, con el fin de aprender.

Oye las mezclas que consideras particularmente buenas y encuentra específicamente qué es lo que te gusta. ¿Es alguna combinación de sonidos, o algún proceso en particular? ¿Es la compresión del bajo y el bombo? ¿Es la profundidad de la reverberación? ¿Es el color y presencia de la voz?. Estas son ejemplos de preguntas que te puedes hacer para ayudarte a entender y analizarlas.

Incluso, en una mezcla aparentemente simple, puede haber mucha información que puedes sacar y una vez que tengas el hábito de escuchar detalladamente las mezclas de otros, comenzaras a tomar ideas e información rápidamente.

Una característica que sobresale en las mezclas profesionales es el balance. Vas a notar que los instrumentos y las voces se complementan y al mismo tiempo contrastan unos con otros logrando definirse y contribuir a la emoción del tema. Esto no es algo que se logre solo en la mezcla, debe venir de la producción, sin embargo, la mezcla ayuda a potenciar eso.

Copia el trabajo de otros

Una vez que oyes… oyes… y oyes el trabajo de otros, el siguiente paso lógico es experimentar y practicar con tus equipos. Tratar de emular el trabajo de los ingenieros y productores que oíste. Exígete y trabaja.

Algo que puedes hacer es ir generando versiones de tus mezclas conforme vayas avanzando y luego compararlas. Hay veces que uno cree que lo está haciendo mejor y al comparar versiones posteriores con anteriores, resulta que no.

Puedes usar tu track de referencia (el que quieres emular) e ir haciendo comparaciones, A/B. Verás que haciendo esto de forma continua y con disciplina vas a mejorar considerablemente en poco tiempo.

Más recomendaciones

Se práctico. Mientras más pragmático y enfocado estés en lo que quieres lograr con el tema, menos tiempo tomarás, menos divagarás, y más rápido llegarás al resultado que buscas de forma eficiente.

Primero debes identificar qué elementos llevan el hook principal del tema. Cuales aportan la emoción vital, y a esos darles la mayor prioridad.

Luego, en el siguiente orden de prioridad, vienen los instrumentos o elementos que son esenciales para el estilo de la música. En este grupo se encuentran el bajo y la sección rítmica, por ejemplo.

Finalmente, están los instrumentos de menor importancia, que pueden manejarse a niveles en los que, si bien están presentes, solo cumplen la función de llenar los espacios sin sobresalir demasiado. Dentro de este grupo, algunas veces se encuentran elementos que pudieran ser descartados si en el contexto de la mezcla no aportan lo necesario o lo que se espera.

Es importante estar atento, en todo momento, del balance general de la mezcla y que ningún rango de frecuencias este muy lleno o vacío. Para esto, también es muy importante que conozcas y confíes en tu sistema de monitoreo, tanto como en las herramientas y plugins hechos para tal fin.

Varios sistemas de parlantes siempre son favorables, ya que tendrás más referencias del sonido. Te ayudará tener desde las “corneticas” de un radio casero, pasando por unos de rango medio, hasta tus queridos monitores profesionales de campo cercano.

Si bien, un buen balance de mezcla depende de la escogencia apropiada de instrumentos y sonidos así como de los arreglos, hay ajustes que se pueden hacer con un ecualizador. Ya sea enfatizando algunas frecuencias para destacar algún(os) instrumento(s), o atenuando y “abriendo espacio” para que otro (por ejemplo la voz), pueda asentarse sin competir.

Una vez que sientas que la mezcla está sonando como quieres, haz una pausa y dale un descanso a tus oídos. Yo hago un descanso breve cada dos horas.

Si luego que has hecho todos los ajustes ya sientes que todos los elementos de tu mezcla conviven, se complementan y no compiten, entonces es el momento de prestarle atención a los detalles que le darán carácter y personalidad. Concéntrate en esto al final, no antes. Primero busca lograr que todos los instrumentos convivan en armonía y que tu mezcla suene homogénea.

Qué debes hacer y qué no

A pesar de que siempre habrá espacio para la creatividad, existen técnicas y rutinas establecidas que vale la pena aprender, antes de que comiences a desarrollar tu propio estilo de mezcla. A continuación te dejo algunas recomendaciones de Lo Que Sí y Lo Que No deberías hacer cuando vayas a mezclar, principalmente estilos Pop (en todas su variantes), Rock y EDM.

Lo Que SÍ

  1. Panea el Bombo (Kick) y el bajo al centro y mantenlos lo más “secos” posible, sin ninguna reverberación. Estos elementos dan soporte y mantienen la unidad rítmica, por lo que son un buen lugar para comenzar a trabajar tu mezcla.
  2. Ubica el snare igualmente al centro y luego panea el resto de los tambores de la batería (Drum). Ten cuidado con abrirla mucho en la imagen estereo ya que haría parecer que el baterista tiene “brazos gigantes” que abarcan todo el espacio de un lado al otro. Los paneos muy abiertos funcionan mejor para instrumentos percusivos como pandereta, claps, shakers, entre otros.
  3. Escoge cuidadosamente la reverberación y el decay time que vas a usar en la batería y percusión. Si es muy largo puede hacer difuso el pulso y empuje rítmico. Además, debido a que la reverberación llena los espacios entre los sonidos, también disminuye la sensación de volumen y punch.
  4. Ajusta el nivel de los otros instrumentos, uno por uno, y una vez que estén ajustados en mono, ubícalos en la imagen estéreo. Presta atención al balance general del estéreo en la mezcla. Es util hacerte un plano de la ubicación de cada uno de los instrumentos para que no los solapes. Ayúdate con tus oídos y los VU meter.
  5. La voz leader debe ubicarse en el centro de la imagen estéreo y estar bien presente. Si está muy alta sonará fuera de mezcla y si está muy baja perderá inteligibilidad. Puedes verificar el nivel de la voz en tu mezcla oyendo el track desde fuera de la sala de mezcla.
  6. Algunos instrumentos, incluyendo la voz, a menudo requieren que se use automatización a lo largo del tema para lograr una dinámica adecuada. En estos casos un compresor puede hacer el trabajo más fácil, además de dar más presencia y carácter tanto a la voz como a los otros instrumentos.

Lo Que No

  1. No mezcles cuando estés cansado y hayas estado trabajando por más de 12 horas. Tus oídos se cansan y por ende tu sensibilidad. Además… estás cansado.
  2. No trates de buscar el balance de la mezcla solo subiendo los niveles de los instrumentos. De esa forma vas a terminar sin headroom, con menos rango dinámico y muy probablemente con distorsión.
  3. No busques que todas los instrumentos suenen “grandes e impresionantes”. Acepta el hecho de que algunos deben estar presentes y otros en el background.
  4. No olvides verificar que tu mezcla suene bien en mono, antes de ubicarlos en la imagen estereo. Esto te ayudará a tener menos problemas de fase.
  5. No monitorees continuamente a altos niveles de volumen, eso atenúa tu sensibilidad auditiva, altera tu percepción y te cansará más rápido. Adicionalmente puedes dañar tu sistema auditivo permanentemente.
  6. No exageres con el uso de “tu ultimo efecto favorito”. Sin importar cuanto te guste o lo que te haya costado, la mayoría de las mezclas profesionales usan los efectos con moderación.
  7. No ecualices todo aumentando la ganancia para buscar una mejor definición de los instrumentos. El resultado final sonará poco natural y desagradable. Si vas a ecualizar es mejor atenuar.
  8. La ultima y la más importante de todas, considerando que la mezcla es un arte, no sigas estas reglas si sientes que puedes mejorar tu mezcla al romperlas. Sin embargo para romperlas, debes primero tener control sobre tus mezclas.

Espero que te ayuden estas recomendaciones y saques provecho de ellas. Coméntanos y comparte el post  con otros productores, músicos y artístas.

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cocofade

cocofade

Músico, ingeniero, productor y compositor, multi instrumentista venezolano, miembro de la Academia Latin Grammys, residenciado en México. Creador y SEO de Ser Productor de Musica y Sonofolk.

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